APROXIMACIÓN Y ANÁLISIS ESQUEMÁTICO SOBRE LOS POETAS ESPAÑOLES DE LA GENERACIÓN DEL 27
Generación
del 27.- Se llama “generación” a un
grupo de escritores que nacidos en fechas cercanas se enfrentan a los mismo problemas de una época y reaccionan de
forma semejante, tanto social como
literariamente, se les llama Generación.
CARACTERÍSTICA LITERARIAS DE LOS MIEMBROS DE
LA GENERACIÓN DEL 27.-
La Generación del 27 es un grupo compuesto por poetas que tienen en común una
ideología compartida, que nacen todos en un periodo menor a 15 años, todos
tienen una formación universitaria semejante, todos pasaron por la Residencia
de Estudiantes –a excepción de Miguel Hernández- y todos colaboraron en la
Revista de Occidente. Por lo que es un grupo con merecida denominación de
Generación.
El nombre de Generación del 27 les viene dado por el
acontecimiento que les unió al ser invitados por Ignacio Sánchez Megías al
homenaje a Luis de Góngora y Argote que
se realizó en Sevilla en 1927 conmemorando el 3º centenario de su muerte. Porque este grupo reivindicaba el talento de
Góngora oponiéndose a la Academia y estaban influenciados, en un principio por
el talento literario de este autor y, aunque vanguardistas, eran respetuosos
con la tradición literaria española.
Los componentes del grupo fueron:
PEDRO SALINAS, nacido en Madrid (1892-1951)
JORGE GUILLÉN, nacido en Valladolid (1893-1984)
DÁMASO ALONSO, nacido en Madrid (1898-1990)
VICENTE ALEIXANDRE, nacido en Sevilla (1898-1984)
Premio Nóbel 1977
GERARDO DIEGO, nacido en Santander (1896-1987)
Académico de la RAL y Premio Nacional en 1925
FEDERICO GARCÍA LORCA, nacido en Granada (1898-1936)
RAFAEL ALBERTI, nacido en Cádiz (1902-1999)
Premio Cervantes 1983
LUIS CERNUDA, nacido en Sevilla (1902-1963)
MIGUEL HERNÁNDEZ, nacido en Alicante (1910-1942)
EMILIO PRADOS, nacido en Málaga (1914-1962)
MIGUEL ALTOLAGUIRRE, nacido en Málaga (1905-1959)
JUAN JOSÉ DOMENCHINA, nacido en Madrid (1888-1959)
Característica
del grupo:
En general.- Eran muy respetuosos con la tradición literaria española, por
cuyo motivo no cuajó el nombre que se les quiso dar de “Generación
Vanguardista” (aunque fueron la
vanguardia de la poesía actual)
Querían partir de la tradición literaria de Góngora
y el Romancero para encontrar nuevas formas poéticas por influencia del
surrealismo artístico imperante en todo Europa
(el surrealismo intenta explorar el mundo de lo inconsciente,
pretendiendo alcanzar la belleza absoluta distinta a la realidad, creando una
realidad nueva)
Ellos tratan de encontrar la belleza literaria y
poética a través de la imagen y la metáfora, pretendiendo eliminar del poema lo
que no es pura belleza esencial, eliminando lo anecdótico y expresar las
emociones y sentimientos que provocan los hechos, sin narrarlos, alcanzando la
utopía de la poesía pura. (Definida por Jorge Guillén como todo lo que
permanece en el poema después de haber eliminado de él, todo lo que no es
poesía)
Pretenden representar la realidad sin describirla,
eliminando lo no-poético.
(Fueron seguidores de León Felipe –coetáneo- pero
que nunca fue considerado del grupo o de la generación por ser de una
naturaleza muy bohemia que hizo abandonara su posición burguesa y acomodada y
embarcándose en aventuras que le llevaron por todo el mundo y no haber estado
unido a los componentes del grupo, estando a caballo entre la Generación del 98
y la del 27 por su época de nacimiento 1884)
el cual escribió:
Deshaced este verso.
Quitarles los caireles de la rima,
El metro, la cadencia
Y hasta la idea misma.
Aventad las palabras,
Y si después queda algo todavía
Eso
Será poesía.
El estilo, la temática y la estética de la
Generación.- La temática de que se ocupan es el especial
interés por los grandes asuntos del hombre: el amor, la muerte, el destino, lo
popular...la situación social de guerra del momento español, y de las cosas de
sus tierras natales.
Utilizaron las estrofas tradicionales españolas
(romance y copla) y las clásicas (soneto, cuarteto) en un principio, tendiendo
hacia el verso libre.
Con el verso libre buscaron el ritmo en la
repetición de las palabras, en los sonidos tónicos y en los esquemas
sintácticos de paralelismos de ideas.
No tiene el grupo un único estilo –lógicamente- pero
sí una misma tendencia: intentan renovar el lenguaje poético y algunos coinciden
más que otros en su trayectoria.
Para todos, la poesía es algo muy serio que hay que
trabajar, tanto en la forma, como en el concepto.
Hacen una idea vital y tienen en común:
El empleo más adecuado de la forma y la lengua
Huyen de la retórica, y el sentimentalismo
Rechazan los léxicos particulares
Y admiten el concepto de poesía como “misterio”
Tratan de ligar elementos distantes (ultraísmo)
Y quieren adherirse al cubismo permitiendo la
técnica y suprimiendo la anécdota.
Intentan ser asépticos y deshumanizados, para poder
componer poemas humanistas.
En cuanto a la estética, buscan el equilibrio de las
palabras:
La síntesis entre polos opuestos
Refrenan la emoción por el intelecto (no
intelectualismo, sino inteligencia, sentimiento y sensibilidad sin sensiblería)
Y mezclan el arrebato y la inspiración que
preconizaban los románticos, con el esfuerzo, disciplina y perfección de la
concepción clásica.
Lorca, decía: “soy poeta por la gracia de Dios y no
menos por la gracia de la técnica y el esfuerzo”
Escribían conjugando la pureza estética (belleza) y
la autenticidad humana; pasando de la poesía pura (el arte por el arte) a la
poesía auténtica, humanística, preocupado por los problemas de los hombres.
Del arte para minorías /mayorías (elitismo) pasan
por el hermetismo y claridad, por lo culto y lo popular.
En suma, tratan de renovarlo todo y se sienten
vanguardistas. Es una Generación luchadora por extraer la esencia de las cosas
a través de la palabra poética abriendo nuevos caminos a la poética y al lenguaje
moderno de la poesía y del poema. (Aquí habría que mencionar el movimiento
paralelo que se origina en Latinoamérica y el mundo de habla hispana donde
aparecen otros renovadores como Neruda, Martí, Borges, Paz, Storni, Cortazar,
Lezama, Andrade, Gianuzzi, Pedro Prado, Jorge Rojas, Huidobro, Bioy y tantos y
tantos.
La evolución de la Generación del 27.- Hasta 1927 hacían poesía pura influidos por Juán Ramón Jiménez
(poesía pura es todo lo que permanece en el poema después de haber eliminado de
él todo lo que no es poesía –Jorge Guillén-)
Depuran los poemas de todo lo anecdótico y de toda
emoción que no sea permanentemente artística a base de usar la metáfora, siendo
una poesía “hermética y fría”
(hermetismo = poesía intelectual con contenidos de fondo complicados y
oscuros)
De 1927
hasta 1936 comienza un proceso de rehumanización y se dan las primeras
obras surrealistas (radicalmente opuestas a la poesía pura) y pasan a primer
plano los temas tales como:
lo amoroso
los deseos de plenitud
las frustraciones
las inquietudes sociales o existenciales
Crean la Revista “Caballo Verde” con Pablo Neruda (1935) y aparece el manifiesto
“de una poesía sin pureza”
Después de 1936 el grupo se dispersa: muere Lorca,
Guillén escribe “Clamor” y Dámaso Alonso y Aleixandre hacen poesía existencial
o angustiada.
ALGUNOS CONCEPTOS ACLARATORIOS.-
Atomización o
fragmentarismo El arte de vanguardia presenta una realidad atomizada.
“El espejo de la belleza se ha roto en mil pedazos” El poema es una sucesión de
imágenes, sin enlaces. Refleja el desorden del mundo y el deseo de romper las
estructuras, los limites, los poemas largos, la percepción del tiempo y el
espacio...
Afán de originalidad en el lenguaje,
en la forma y en los temas. Aparecen palabras antipoéticas, se prescinde de la
rima y del metro. Abandonan los típicos temas como la muerte, el amor... si los
tratan lo hacen con una nueva perspectiva.Pq valoran el ingenio y el humor. La
lírica canta a los avances mecánicos (bombillas, porteros de futbol...
Hermetismo o dificultad,
siguiendo el intelectualismo de Góngora y de Juan Ramón Jiménez. Hacer una
poesía muy intelectual con un contenido de fondo para que la entiendan los
intelectuales.
Autosuficiencia del arte. Es decir, la
obra artística no depende de la realidad, sino que es autónoma y
autosuficiente, no sirve la poesía con motivos históricos o culturales... es la
poesía pura, la que rechaza lo humano, los sentimientos, las anrcdotas, las
descripciones.
Antirrealismo y antiromanticismo. A partir de
ahora la literatura rompe con la realidad, la deforma geométricamente (cubismo)
como en artes plásticas. Lo importante es el poema no el poeta, ni los
sentimientos
Surrealismo. La vanguardia que más influyó
en la generación del 27 y en la poesía española en general. Por eso conviene detenerse
un momento para explicarlo. Este movimiento supuso un cambio radical en la
concepción del papel del arte y del trabajo del artista. Sus principios los
expuso André Bretón en su Manifiesto surrealista de 1924.
Influido por las doctrinas de Freud y Marx, propugna
una LIBERACIÓN TOTAL del hombre: liberación de los impulsos reprimidos en el
subconsciente y liberación de la represión que sobre el hombre ejerce la
sociedad burguesa. De aquí que fuera un movimiento muy influido por las ideas
del psicoanálisis de Freud (liberación individual) y por el pensamiento de Marx
(liberación social).
Buscaban liberar el poder creador del hombre, tarea
para la que la poesía es un instrumento idóneo. Con el fin de registrar los
estados de ánimo y los impulsos profundos del artista recurrieron a técnicas
como la escritura automática.
Así se produce una liberación del lenguaje respecto a los límites de la
expresión lógica.
Sin embargo, hay que dejar claro que el Surrealismo
español nunca se abandonó totalmente a lo ilógico e irracional, pues detrás de
las composiciones surrealista de Cernuda, Aleixandre, Rafael Alberti (Sobre
los ángeles) o Lorca (Poeta en Nueva York) se atisba el punto hacia
el que se dirigen las intenciones de estos autores.
Intranscendencia (y
deshumanización) del arte. Este tiene un fin exclusivamente estético. Por
eso huye de toda trascendencia moral, social o fisiológica. La poesía es solo
un juego de palabras, el poeta no aspira a reformar el mundo... solo hace
poesía.
Predominio de la metáfora. Se convierte
en la base del poema pues aspira a eludir la realidad con imágenes. Todas las
vanguardias coinciden en que la base de la poesía es la imagen.
Atomización o
fragmentarismo El arte de vanguardia
presenta una realidad atomizada. “El espejo de la belleza se ha roto en mil
pedazos” El poema es una sucesión de imágenes, sin enlaces. Refleja el desorden
del mundo y el deseo de romper las estructuras, los limites, los poemas largos,
la percepción del tiempo y el espacio.
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INFLUENCIA DEL MANIFIESTO SURREALISTA EN LA
GENERACIÓN:
Primeramente el Manifiesto salió en L’Amic de les
Arts. Un mes después Federico García Lorca lo publicaría en gallo, abril de
1928. En el número correspondiente a junio de 1927 ya había incluido el “San
Sebastián” de Dalí, obra que, como señala Marie Laffranque, ofrecía el mismo
humor ambiguo y las mismas ásperas facetas que los poemas en prosa de Lorca
pertenecientes a esta época.
Los cambios de estilo en la obra Lorquiana eran
insustanciales y carentes de importancia para Dalí. Federico García Lorca se
negaba a hacerse europeo y a enfrentarse con los prejuicios de su propia
sociedad estéril.
Dalí Desahogó su cólera en un ataque contra
gallo, acusándola de “putrecfacción intolerable” y, en la misma vía, escribió
en L’Amic de la Arts sobre la necesidad de “combatir todo aquello que sea
regional, típico, local”. Por entonces declara “el asco absoluto” que siente
contra Platero y yo y subraya su desprecio hacia “el marasmo putrefacto en que
se mueve toda esa promoción de Prados, Altolaguirre...”, incluyendo
implícitamente a Federico García Lorca en esa “promoción”. En una carta que
dirige a Lorca muestra claramente su intención de romper con todo y rechaza con
crueldad el nuevo estilo de su amigo, dando a entender que sólo abraza el acto
provocativo : “Tu poesía está ligada de pies y brazos al arte de la poesía más
vieja. Tú quizá creas atrevidas ciertas imágenes y encuentres una dosis crecida
de irracionalidad en tus cosas, pero yo puedo decirte que tu poesía se mueve
dentro de las ilustres acciones de los lugares más estereotipados y
conformistas.”
Salvador Dalí intentaba entrar en el círculo de los
surrealistas franceses, por lo que toda referencia a elementos típicamente
españoles olía, según él, a provincianismo. Buscó el escándalo que lo elevaría
en la escala internacional, encontrándolo en la pequeña frase “Yo escupo
sobre mi madre”, que disparó en medio de una conferencia sobre La moral del
surrealismo en el Ateneo Barcelonés en 1930. Sin duda Breton se dejó
impresionar más por la película que por esta retórica pueril, aunque de todos
modos incluye a Salvadaor Dalí en su libro clásico Le Surréalisme et la
Peinture ( El Surrealismo y la Pintura), donde escribe el siguiente análisis:
(Que denota sustancialmente las diferencias esenciales entre Federico García
Lorca y Salvador Dalí, así como la dependencia de éste de los descubrimientos
del psicoanálisis).
Federico García Lorca, por su parte, se interesaba
por el misterio del pasado. Quiso penetrar en las raíces de su tradición
cultural para descubrir lo que quería decir ser de su pueblo y revelar la
naturaleza de su canto. Se mueve con elegancia por los bordes de esa tradición,
comprobándola y desarrollándola para sus fines. Mientras, Dalí quiso explotar
sus obsesiones y neurosis al objeto de enfrentarse con ellas, desafiándolas,
siendo su actitud egocéntrica expresión de una psique colectiva enferma. De
esta paranoia colectiva habla en su conferencia, imparida el mismo año en que
Buñuel realizó " L’Age D’or:“ El nacimiento de las nuevas imágenes
surrealistas hay que considerarlo, ante todo, como el nacimiento de las
imágenes de la desmoralización. Hay que insistir en la rara agudeza de
atención, reconocida por todos los psicólogos, prestada a la paranoia, forma de
enfermedad mental que consiste en organizar la realidad de tal forma que
podamos utilizarla para controlar una construcción imaginativa. El paranoico
que cree haber sido envenenado y descubre que todo lo que le rodea, hasta en
los detalles más imperceptibles y sutiles, son los preparativos para su propia
muerte.” Aunque no sea justo sugerir que Federico garcía Lorca compartía con
Dalí esta tendencia
Federico García Lorca recurrió al surrealismo sobre
todo porque prometía lo poético al abolir toda lógica y certidumbre, al
suprimir toda garantía. Le dio acceso a un nuevo mundo que ya había entrevisto
en su Sketch sobre la pintura moderna".
“El mar cabe dentro de una naranja y un insecto
pequeñito puede asombrar a todo el ritmo planetario, donde un caballo tendido
lleva una inquietante huella de pie en sus ojos finos fuera de lo mortal.” Es
decir, un mundo en el que todas las imágenes en que antes confiaba muestran
ahora una amenaza oculta. Esta misma potencia la había sentido en la obra de
Joan Miró, con su capacidad de sugerir lo destructivo, de dejar las raíces al
aire, asombroso y turbador : “Ese paisaje nocturno donde hablan los insectos
unos con otros, y ese otro panorama, o lo que sea, que no me importa saberlo,
no lo necesito, están a punto de no haber existido, vienen del sueño, del
centro del alma, allí donde el amor está en carne viva y corren brisas
increíbles de sonidos lejanos.” Esto es lo que Lorca buscaba, un estado
orgánico de temor que sobrepasa lo individual, más profundo en su poder y
alcance de lo que puede esperar la psique personal.
En Viaje a la luna emplea varias imágenes que
implican la muerte o la castración sexual para explorar lo que Dalí llama “el
valor todopoderoso del deseo” : “Una toma próxima de un pez vivo en la mano de
alguien que lo aprieta hasta que muere, acercándolo después con la boca abierta
a la cámara hasta que cubre el objetivo” . O este otro ejemplo, imagen
freudiana clásica de las polaridades amor-odio funcionan-do en una relación :
“La muchacha se defiende del muchacho, quien furiosamente le da otro profundo
beso y le pone los pulgares sobre los ojos como si quisiera hundírselos dentro
de las cuencas”. Lorca había también aprendido de Dalí y Buñuel el valor
de la imagen punzante, pero usando el “shock” como medio para definir y
localizar una sensación poderosa, no como mero acto gratuito de provocación.
Buñuel describe de este modo su intención : “Lo que quiero es que el film no os
guste, que se proteste”, estando dirigido contra “la sensibilidad artística y
contra la razón”, ya que “su objetivo es provocar en el espectador reacciones
instintivas de repulsión o atracción. Nada en la película simboliza ninguna
cosa.”
Es claro que Lorca no se interesa solamente en atacar
al espectador, sino en dar forma a sus atormentadas emociones, en actitud muy
semejante a la aclaración que Buñuel hace de su afirmación anterior:
“Evidentemente se pueden deducir gran número de símbolos, en la medida en que
la película es la objetivación de deseos recalcados o presentados
irracionalmente, pero cuyas imágenes, como Freud dejó muy claro, son siempre
transposiciones de otras imágenes dejadas por el subconsciente.”
El célebre plano que abre Le Chien Andalou (El Perro
Andaluz) es un clarísimo ejemplo de las palabras anteriores : “Un hombre afila
su navaja de afeitar junto al balcón... Después, la cabeza de una mujer joven,
con grandes ojos abiertos. En dirección a uno de ellos avanza la hoja de una
navaja de afeitar... La hoja de la navaja atraviesa el ojo de la joven,
seccionándolo.” El plano que abre el film de Federico garcía Lorca es
mucho más apagado, pero encierra también un elemento de sorpresa : “Una cama
blanca contra un fondo de pared gris. Sobre las colchas, una danza de números :
13 y 22. Una mano invisible retira las colchas”.
Apagado va por el cielo.
Sólo mares y montes de carbón.
Y una paloma muerta por la arena
con las alas tronchadas y en el pico una flor.
Y en la flor una oliva
Y en la oliva un limón.
Sólo mares y montes de carbón.
Y una paloma muerta por la arena
con las alas tronchadas y en el pico una flor.
Y en la flor una oliva
Y en la oliva un limón.
Federico García Lorca
__________
La creación del Manifiesto Surrealista
Federico García Lorca Tiene la misma calidad de todo
lo que escribió, el toque español, sus imágenes; Bernice Duncan [su traductora
al inglés] lo ha descrito como una mezcla de Picasso y Celine”. Entiendo lo que
ha querido decir Duncan, ya que Lorca hace referencia al traje de arlequín y en
su viaje interior a la luna ofrece ciertos paralelos obvios con el Voyage au
bout de la nuit de Celine. Sin embargo, me parece igual de probable que el
traje de arlequín venga de Dalí o de Cocteau. Las tres degollaciones contienen,
en efecto, varias imágenes que Dalí utilizaba en aque' momento. En Suicidio en
Alejandría podemos encontrar una alusión a los insectos y al ojo cortado :
“Después de la terrible ceremonia se subieron todos a la última hoja del
espino, pero la hormiga era tan grande, tan grande, que se tuvo que quedar en
el suelo con el martillo y el ojo enhebrado.” De modo similar Lorca utiliza en
Viaje a la luna “un gran dibujo de un ojo sobre una doble exposición de peces”
.La amistad entre Lorca y Dalí, iniciada en la Residencia madrileña, fraguó
hasta tal punto que el poeta fue a pasar sus vacaciones a casa de los Dalí en
Cadaqués. Allí pudo conocer las teorías e ini:ereses europeos de la vanguardia
catalana. Durante su estancia de 1927 colaboró con Dalí en la redacción del
Manifiesto Antiartístico, aunque su nombre no figurase entre los firmantes. Aun
siendo un poco viejo en su retórica, este mani-fiesto muestra la absorción de
las ideas futuristas y dadaístas por parte de la vanguardia española del
momento: El maquinismo ha revolucionado el mundo – antítesis del
circunstancialmente indispensable futurismo – ha verificado el cambio más
profundo que ha conocido la humanidad. Para nosotros Grecia se continúa en la
resultante numérica de un motor de aviación, en el tejido antiartístico de
anónima factura inglesa destinado al golf, en el desnudo del music-hall
americano.
Se observa también el proceso de filtración de los
intereses inmediatos del círculo de Diaghilev :
Nuevos hechos de intensa alegría y jovialidad
reclaman la atención de los jóvenes de hoy. el cinema, el estadio, el boxeo, el
tenis y demás deportes, la música popular de hoy : el jazz y la danza actual el
salón del automóvil y de la aeronáutica los juegos en las playa, los concursos
de belleza al aire libre el desfile de maniquíes...
AUTORES DEL
27
PEDRO SALINAS.-
Es un perfecto perfeccionista en el que destacan
tres elementos básicos:
autenticidad
belleza
ingenio
Poesía de gran sensibilidad que ahonda en los
sentimientos acercándose a lo absoluto y suprimiendo toda clase de anécdotas.
Es el principal poeta del amor de esta generación.
Sus obra tiene esta evolución:
De poesía Pura:
1923 – Presagios
1929 – Seguro Azar
1931 – Fábula y signo
De poesía de amor (antirromántica: no de amor atormentado,
sino del amor que supone un enriquecimiento de la vida y la persona dándole
sentido) :
1933 – La voz a ti debida
1936 – Razón de amor
1939 – Largo lamento (o cántico al amor que muere.
En esta etapa la amada es vista como amiga que saca
de la duda al amante. La amada le inventa un mundo de la nada anterior para
salvarlo del caos. El amor es una prodigiosa fuerza, por cuya razón, el poeta
ama la vida y dice que sí al mundo.
De poesía de antítesis (existencialista: donde
lucha entre la fe y los signos angustiosos de su alrededor social)
1946 –
El contemplado
1949 –
Todo más claro
1955 –
Confianza (escrito póstuma
realizado
entre 1924-1944
Toda su obra se atiene al ritmo y la metáfora y no a
la métrica, aunque se encuentran rimas. (Es subjetivo y amétrico)
Salinas y Guillén van a la realidad para buscarle su
esencia y hacerla lírica.
Ejemplo de un poema de Salinas y comentario.-
Razón de amor (1936)
¡Cómo
me dejas que te piense!
Pensar en ti no lo hago solo, yo.
Pensar en ti es tenerte,
como el desnudo cuerpo ante los besos,
toda ante mí, entregada.
Siento cómo te das a mi memoria,
cómo te rindes al pensar ardiente,
tu gran consentimiento en la distancia.
Y más que consentir, más que entregarte,
me ayudas, vienes hasta mí, me enseñas
recuerdos en escorzo, me haces señas
con las delicias, vivas, del pasado,
invitándome.
Me dices desde allá
que hagamos lo que quiero
—unirnos— al pensarte.
Y entramos por el beso que me abres,
y pensamos en ti, los dos, yo solo.
Pensar en ti no lo hago solo, yo.
Pensar en ti es tenerte,
como el desnudo cuerpo ante los besos,
toda ante mí, entregada.
Siento cómo te das a mi memoria,
cómo te rindes al pensar ardiente,
tu gran consentimiento en la distancia.
Y más que consentir, más que entregarte,
me ayudas, vienes hasta mí, me enseñas
recuerdos en escorzo, me haces señas
con las delicias, vivas, del pasado,
invitándome.
Me dices desde allá
que hagamos lo que quiero
—unirnos— al pensarte.
Y entramos por el beso que me abres,
y pensamos en ti, los dos, yo solo.
Inicia el poema con un verso interrogativo /
exclamativo, desde donde desarrolla toda la idea del poema: el origen del
sentido de la vida; la razón de vivirla a través de la pensada y su amor.
Comentario
a éste poema:
Va explicando la idea / sentimiento de qué es
“pensarla” , con un ritmo musical en cascada incresccendo, como si escribiera
en un pentagrama una escala musical. Va comparando a “la pensada” y le dice y
le habla y la desnuda y la viste, en un juego de ir y venir de sentimientos sin
rozarla que son, a la vez, causa / efecto, para responderse con un fluido verbo
natural y puro.
Es la “locura de la fantasía” hecha belleza. Hablar
solo con la amada, cuando la amada es la propia belleza, el propio deseo de
vida, el motor que mueve al sí mismo, siento este, a la vez, motor que mueve el
sentimiento de amor. Una retroalimentación espiritual donde el sueño se consuma
en la realidad del deseo.
Muestra una espiritualidad casi mística que le eleva
desde la tierra y le lleva en vuelo hacia la plenitud, pero lo más hermoso, es
que deja constancia de que sabe que todo está en él o en la esencia del sentido
del amor.
Busca a la amada más allá del modo real. Realidad
que él mismo trasforma en la propia amada, creándose un ideal o concepto puro
que le permite vivir y sentir gozo y trasmitirlo a los sueños del tu, sin
perder el sentido de la realidad de que el tu y el yo, son la misma cosa. Y así
lo admite en su soledad serena.
JORGE
GUILLÉN.
Guillén es el máximo representante de la poesía pura dentro de su Generación.
En sus poemas se observa una estili-zación de la
realidad, una depuración hasta quedarse con lo más esencial de las cosas.
Parte de la realidad y extrae de ella ideas,
sentimientos quintaesencias.
Su estilo está al servicio de dicha depuración.
Posee un lenguaje muy elaborado, muy selectivo, rigurosamente tratado, pulido,
que renuncia al efectismo: una poesía fría (sobre todo en un primer contacto),
difícil, pero de gran calidad artística: ansia de perfección; afán de luz, de
claridad.
Domina a la perfección las estrofas clásicas, sobre
todo las décimas y los sonetos.
Las influencias más destacables son las de Valéry
(poesía pura), Baudelaire (por su organización poética en un solo libro) y
Whitman (por su júbilo, su exaltación de lo vital). Especial relevancia
adquieren San Juan de la Cruz y fray Luis de León.
No en vano se ha hablado del "misticismo"
en la poesía de Guillén, de su deseo de descubrir, captar y expresar la armonía
reflejada en el mundo.
Guillén concibe su obra como un todo, al que da el
nombre de Aire nuestro.
Su obra tiene ésta evolución.-
De poesía expresiva de entusiasmo ante el mundo.-
1919/1950 – Cántico
1950-1963 – Clamor
1967 – Homenaje
La obra es una expresión del entu-siasmo de su autor
ante el mundo. "El mundo está bien hecho". La vida es hermosa por el
simple hecho de ser vida. "Ser. Nada más. Y basta. Es, pues, una visión
antirro-mántica del mundo. Canta Guillén al amanecer y al mediodía; prefiere la
primavera.
Nos habla de luz, aire, pájaros, árboles, ríos, mar.
También de cosas cotidianas: mesa, sillón, café, calle... Todo adquiere
presencia poética.
Llama la atención cómo Guillén conjuga en perfecto
equilibrio su existencialismo jubiloso con un cauce formal riguroso.
En Clamor, "Tiempo de historia", Guillén da un giro: se observa una protesta ante los horrores y las miserias del momento histórico. El poeta es optimista, pero no por ello deja de ver los defectos del mundo: "Este mundo del hombre está mal hecho". El poeta se alza contra el dolor. También aparece el tema de España: la guerra, el exilio, la dictadura. De ahí su afirmación: "poesía bastante pura, ma non troppo".
En Clamor, "Tiempo de historia", Guillén da un giro: se observa una protesta ante los horrores y las miserias del momento histórico. El poeta es optimista, pero no por ello deja de ver los defectos del mundo: "Este mundo del hombre está mal hecho". El poeta se alza contra el dolor. También aparece el tema de España: la guerra, el exilio, la dictadura. De ahí su afirmación: "poesía bastante pura, ma non troppo".
Clamor se divide en tres partes:
Maremagnum 1957; donde denuncia de tiranías e
injusticias; verso libre: no es perfecta la forma, porque el mundo ya no se
percibe como perfecto.
Que van a dar en la mar 1960; meditaciones sobre el
pasado.
A la altura de las circunstancias 1963; Angustia;
tema de España.
Ejemplo de un poema de Guillén y comentario.-
LAS DOCE EN EL RELOJ
Cántico (1928-1950)
Dije:
Todo ya pleno.
Un álamo vibró.
Las hojas plateadas
Sonaron con amor.
Los verdes eran grises,
El amor era sol.
Entonces, mediodía,
Un pájaro sumió
Su cantar en el viento
Con tal adoración
Que se sintió cantada
Bajo el viento la flor
Crecida entre las mieses,
Más altas. Era yo,
Centro en aquel instante
De tanto alrededor,
Quien lo veía todo
Completo para un dios.
Dije: Todo, completo.
¡Las doce en el reloj!
Un álamo vibró.
Las hojas plateadas
Sonaron con amor.
Los verdes eran grises,
El amor era sol.
Entonces, mediodía,
Un pájaro sumió
Su cantar en el viento
Con tal adoración
Que se sintió cantada
Bajo el viento la flor
Crecida entre las mieses,
Más altas. Era yo,
Centro en aquel instante
De tanto alrededor,
Quien lo veía todo
Completo para un dios.
Dije: Todo, completo.
¡Las doce en el reloj!
Tal como lo denominó en su libro, realmente es un
cántico o exaltación al instante del mediodía, cuya observación en gozo, le
proporciona la belleza y la plenitud para todo el día o para toda la vida. Es
un instante eterno
Redondea el ambiente, le hace círculo, él se hace
centro y todo lo ve completo para entregárselo a Dios. Remodela el mundo para
Dios o descubre su esencia, la huele, la disfruta, pero no se la queda, la
entrega.
Consigue el efecto de ilusión y emoción con versos
cortos, con rimas advierte el ritmo rápido deseoso, alucinante de captarlo
todo. Tiene urgencia de belleza.
El amor era sol...el calor del sol y su luz le
producía sensación de amor. No necesita nada más para ser feliz. Sólo sol.
Rebasa y rebosa en la alegría de la contemplación de
la naturaleza. Para mí no las describe, las canta, las hace diálogo entre él y
el lector y la presenta a propulsión de
golpes emocionales que el lector puede trasformar en su mundo propio y sentir
lo misma alegría en la contemplación de una cacerola u otro objeto simple.
Engrandece el entorno y lo hace inmenso.
Es un gran comunicador.
GERARDO DIEGO.
Gerardo Diego sorprende por la variedad en su
poesía. Variedad de temas, de tonos, de estilos. Afirmaba que "yo no soy
responsable de que me atraigan simultáneamente el campo y la ciudad, la
tradición y el futuro; de que me encante el arte nuevo y me extasíe el antiguo;
de que me vuelva loco la retórica hecha, y me torne más loco el capricho de
volver a hacérmela -nueva- para mi uso particular e intransferible".
Cultiva, pues, tanto poesía clásica y tradicional
como vanguardista.
Su obra tiene esta evolución.-
De poesía de evasión y juventud.-
1918 – El romancero de la novia (obra tradicional
con acento moderno)
De poesía creacionista.-
1924 – Versos humanos
-- Manual de espumas o versos adrede (Donde se contiene el famoso soneto “al ciprés de
silos”)
1925 – Imagen
Diego es el máximo representante español del
Creacionismo. Tal movimiento, nacido en París hacia 1917, participa del
irracionalismo poético; es decir, se propone una creación verbal al margen de
la lógica. En el poema, las palabras se unen al azar, en un juego muy libre. No
se pretende reflejar ninguna realidad, sino crear una realidad dentro del
poema. En general, hay que aceptar las imágenes creacionistas como son, sin
buscarles un significado lógico, dejándonos llevar por ellas a un mundo
totalmente inventado, muy distinto del real. Creer lo que no vimos es la Fe;
crear lo que nunca veremos, esto es la poesía. A esta línea corresponden libros
originalísimos del autor, como Imagen (1922) y Manual de espumas (1924), obras
cumbre de la Vanguardia española.
De poesía de expresión.- (expresionismo o movimiento que trata de buscar una estética
nueva en el arte por medio del simbolismo y la abstracción)
1941 – Alondra de verdad
(Fue muy prolijo y escribió muchísimos libros de
poemas y prosa poética. Gerardo Diego hay que tratarlo aparte)
Se caracterizó por su fecunda variedad y su
vanguardismo
Tras la Guerra Civil se volvió más tradicionalista.
Trató todo tipo de temas: religioso, amoroso, taurino, musical, pueblos de
España... G.Diego es la mejor imagen de la síntesis entre tradición y
renovación.
Es un gran maestro del arte de versificar, a lo que
añade sensibili-dad y sabiduría.
Ejemplo de un poema de G. Diego.-
Manual de espumas (1922) (Poema a la
Primavera- 1º poema del libro)
Ayer Mañana
Los
días niños cantan en mi ventana
Las
casas son todas de papel
y van y viven las golondrinas
doblando y desdoblando esquinas
y van y viven las golondrinas
doblando y desdoblando esquinas
Violadores
de rosas
Gozadores perpetuos del marfil de las cosas
Ya tenéis aquí el nido
que en la más ardua grúa se os ha construido
Gozadores perpetuos del marfil de las cosas
Ya tenéis aquí el nido
que en la más ardua grúa se os ha construido
Y
desde él cantaréis todos
en las manos del viento
en las manos del viento
Mi
vida es un limón
pero no es amarilla mi canción
pero no es amarilla mi canción
Limones
y planetas
en las ramas del sol
cuántas veces cobijasteis
la sombra verde de mi amor
la sombra verde de mi amor
en las ramas del sol
cuántas veces cobijasteis
la sombra verde de mi amor
la sombra verde de mi amor
La
primavera nace
y en su cuerpo de luz la lluvia pace
y en su cuerpo de luz la lluvia pace
El
arco iris brota de la cárcel
Y
sobre los tejados
mi mano blanca es un hotel
para palomas de mi cielo infiel
mi mano blanca es un hotel
para palomas de mi cielo infiel
DÁMASO ALONSO.
Fue director de la Real Academia. Premio Cervantes
en 1978. Muere en 1990.
Considerado como el principal crítico de la
Genera-ción del 27. Sus estudios de Estilística son muy apreciados.
Como poeta está a menor nivel que sus compañeros de
Generación (él mismo se considera un "segundón"; se autodefinió como
"poeta a rachas"). La poesía deshumanizada no era su fuerte.
En Hijos de la Ira, (poesía existencial) está su
poesía más auténtica: la poesía desarraigada; el mundo es un caos y una angustia.
Hijos de la ira es un grito de protesta contra las injusticias, el odio, la
crueldad. El poeta pregunta con desgarro a Dios sobre el sentido de
tanta podredumbre.
Es una obra escrita en versículos, que rompe con el
formalismo retórico imperante.
Define la poesía como “una frenética búsqueda de
ordenación y de ancla”
Su obra tiene esta evolución:
De poesía pura surrealista
1921 – Poemillas de la Ciudad
1925 -El viento y
el verso
De poesía existencial
1944 – Hijos de la Ira
De poesía
religiosa
1955 – Hombre y Dios
1959 - Oscura noticia
Ejemplo de un poema de Dámaso Alonso.-
Poemas puros. Poemillas de la ciudad (1921)
La
puerta, franca.
Vino queda y suave.
Ni materia ni espíritu. Traía
una ligera inclinación de nave
y una luz matinal de claro día.
Vino queda y suave.
Ni materia ni espíritu. Traía
una ligera inclinación de nave
y una luz matinal de claro día.
No
era de ritmo, no era de armonía
ni de color. El corazón la sabe,
pero decir cómo era no podría
porque no es forma, ni en la forma cabe.
ni de color. El corazón la sabe,
pero decir cómo era no podría
porque no es forma, ni en la forma cabe.
Lengua,
barro mortal, cincel inepto,
deja la flor intacta del concepto
en esta clara noche de mi boda,
deja la flor intacta del concepto
en esta clara noche de mi boda,
y
canta mansamente, humildemente,
la sensación, la sombra, el accidente,
mientras ella me llena el alma toda.
la sensación, la sombra, el accidente,
mientras ella me llena el alma toda.
Oración por la belleza de una muchacha
Tú
le diste esa ardiente simetría
de los labios, con brasa de tu hondura,
y en dos enormes cauces de negrura,
simas de infinitud, luz de tu día;
de los labios, con brasa de tu hondura,
y en dos enormes cauces de negrura,
simas de infinitud, luz de tu día;
esos
bultos de nieve, que bullía
al soliviar del lino la tersura,
y, prodigios de exacta arquitectura,
dos columnas que cantan tu armonía.
al soliviar del lino la tersura,
y, prodigios de exacta arquitectura,
dos columnas que cantan tu armonía.
Ay,
tú, Señor, le diste esa ladera
que en un álabe dulce se derrama,
miel secreta en el humo entredorado.
que en un álabe dulce se derrama,
miel secreta en el humo entredorado.
¿A
qué tu poderosa mano espera?
Mortal belleza eternidad reclama.
¡Dale la eternidad que le has negado!
Mortal belleza eternidad reclama.
¡Dale la eternidad que le has negado!
VICENTE ALEIXANDRE.
Es uno de los poetas del 27 que, desde mi punto de
vista, tiene toda la actualidad y el vanguardismo necesario para pertener a la
generación del día de hoy –siglo XXI- su poesía, -difícil o no- engendra
trasportines por encima del mar, de los taludes e, incluso, de los pájaros,
sin que por ello, esté fuera del suelo de la tierra.
Nace en Sevilla en 1898. A los dos años es
trasladado a Málaga y en 1909 a Madrid. Dedicó toda su vida a la poesía .
Recibe el premio Nobel en 1977. Muere en 1984.
Su obra está muy influida por el surrealismo
(Cernuda dijo de Aleixandre que era el mayor poeta que había dado este
movimiento).
En 1931 define la poesía como "clarividente
fusión del hombre con lo creado", "aspiración a la unidad";
"Poesía es conocimiento" (antes que belleza; las palabras no son
bonitas o feas, simplemente necesarias); "el poeta es una conciencia
puesta en pie hasta el fin".
Destacan sus metáforas visionarias, sus imágenes
cósmicas y telúricas, de gran originalidad. Usa el verso libre (con tendencia
al alejandrino) y, en general podemos decir que es una poesía
"difícil" (en menor grado en su 2ª etapa).
Su obra suele dividirse en tres etapas:
Etapa surrealista:
1928 – Ámbito
1930 – Espadas como labios
1932 – La destrucción o el amor. (Obra
místico-panteísta)
1939 – Sombra del Paraíso. (Su obra cumbre: El poeta
desea un edén libre de sufrimiento y de muerte. Ansía una existencia pura y
elemental.)
En esta época sus poesía tiene una visión pesimista
del hombre: imperfección, dolor, angustia, fragilidad. Aleixandre envidia al
vegetal, al mineral insensible. Desea volver a la tierra, fundirse con la
Naturaleza y participar de la unidad de ésta.
La pasión amorosa se confunde con una pasión por la
muerte liberadora. Grandes poemas amorosos. Sólo se llega al amor total cuando
el amante se destruye en la llama amorosa para nacer, vivir, en la sangre del
ser amado.
Etapa humanista:
1945 – Historia del corazón.
1958 – En un vasto dominio
En esta etapa abandona el surrealismo. El hombre se
ve ahora positivamente. La solidaridad
lo engrandece. El poeta se funde con el pueblo y se convierte en su voz.
Etapa de la consumación:
1968 – Poemas de la consumación
Supone un nuevo giro en la poesía de Aleixandre.
Añora la juventud y canta, entre trágico y sereno, la consuma-ción de la
existencia. El estilo es más escueto y denso, con toques surrealistas.
Ejemplos de su poesía:
Acaba
En
volandas,
como si no existiera el avispero,
aquí me tienes con los ojos desnudos,
ignorando las piedras que lastiman,
ignorando la misma suavidad de la muerte.
como si no existiera el avispero,
aquí me tienes con los ojos desnudos,
ignorando las piedras que lastiman,
ignorando la misma suavidad de la muerte.
¿Te
acuerdas? He vivido dos siglos, dos minutos,
sobre un pecho latiente,
he visto golondrinas de plomo triste anidadas en ojos
y una mejilla rota por una letra.
La soledad de lo inmenso mientras media la capacidad de una gota.
sobre un pecho latiente,
he visto golondrinas de plomo triste anidadas en ojos
y una mejilla rota por una letra.
La soledad de lo inmenso mientras media la capacidad de una gota.
Hecho
pura memoria,
hecho aliento de pájaro,
he volado sobre los amaneceres espinosos,
sobre lo que no puede tocarse con las manos.
hecho aliento de pájaro,
he volado sobre los amaneceres espinosos,
sobre lo que no puede tocarse con las manos.
Un
gris, un polvo gris parado impediría siempre el beso sobre la tierra,
sobre la única desnudez que yo amo,
y de mi tos caída como una pieza
no se esperaría un latido, sino un adiós yacente.
sobre la única desnudez que yo amo,
y de mi tos caída como una pieza
no se esperaría un latido, sino un adiós yacente.
Lo
yacente no sabe.
Se pueden tener brazos abandonados.
Se pueden tener unos oídos pálidos
que no se apliquen a la corteza ya muda.
Se puede aplicar la boca a lo irremediable.
Se puede sollozar sobre el mundo ignorante.
Se pueden tener brazos abandonados.
Se pueden tener unos oídos pálidos
que no se apliquen a la corteza ya muda.
Se puede aplicar la boca a lo irremediable.
Se puede sollozar sobre el mundo ignorante.
Como
una nube silenciosa yo me elevaré de mí mismo.
Escúchame. Soy la avispa imprevista.
Soy esa elevación a lo alto
que como un ojo herido
se va a clavar en el azul indefenso.
Soy esa previsión triste de no ignorar todas las venas,
de saber cuándo, cuándo la sangre pasa por el corazón
y cuándo la sonrisa se entreabre estriada.
Escúchame. Soy la avispa imprevista.
Soy esa elevación a lo alto
que como un ojo herido
se va a clavar en el azul indefenso.
Soy esa previsión triste de no ignorar todas las venas,
de saber cuándo, cuándo la sangre pasa por el corazón
y cuándo la sonrisa se entreabre estriada.
Todos
los aires azules...
No.
Todos los aguijones dulces que salen de las manos,
todo ese afán de cerrar párpados, de echar oscuridad o sueño,
de soplar un olvido sobre las frentes cargadas,
de convertirlo todo en un lienzo sin sonido,
No.
Todos los aguijones dulces que salen de las manos,
todo ese afán de cerrar párpados, de echar oscuridad o sueño,
de soplar un olvido sobre las frentes cargadas,
de convertirlo todo en un lienzo sin sonido,
me
transforma en la pura brisa de la hora,
en ese rostro azul que no piensa,
en la sonrisa de la piedra,
en el agua que junta los brazos mudamente.
En ese instante último en que todo lo uniforme pronuncia la palabra:
ACABA.
en ese rostro azul que no piensa,
en la sonrisa de la piedra,
en el agua que junta los brazos mudamente.
En ese instante último en que todo lo uniforme pronuncia la palabra:
ACABA.
Ámbito
(1924-1927)
La
muerte
¡Ah!
Eres tú, eres tú, eterno nombre sin fecha,
bravía lucha del mar con la sed,
cantil todo de agua que amenazas hundirte
sobre mi forma lisa, lámina sin recuerdo.
bravía lucha del mar con la sed,
cantil todo de agua que amenazas hundirte
sobre mi forma lisa, lámina sin recuerdo.
Eres
tú, sombra del mar poderoso,
genial rencor verde donde todos los peces son como piedras por el aire,
abatimiento o pesadumbre que amenazas mi vida
como un amor que con la muerte acaba.
genial rencor verde donde todos los peces son como piedras por el aire,
abatimiento o pesadumbre que amenazas mi vida
como un amor que con la muerte acaba.
Mátame
si tú quieres, mar de plomo impiadoso,
gota inmensa que contiene la tierra,
fuego destructor de mi vida sin numen
aquí en la playa donde la luz se arrastra.
gota inmensa que contiene la tierra,
fuego destructor de mi vida sin numen
aquí en la playa donde la luz se arrastra.
Mátame
como si un puñal, un sol dorado o lúcido,
una mirada buida de un inviolable ojo,
un brazo prepotente en que la desnudez fuese el frío,
un relámpago que buscase mi pecho o su destino...
una mirada buida de un inviolable ojo,
un brazo prepotente en que la desnudez fuese el frío,
un relámpago que buscase mi pecho o su destino...
¡Ah,
pronto, pronto; quiero morir frente a ti, mar,
frente a ti, mar vertical cuyas espumas tocan los cielos,
a ti cuyos celestes peces entre nubes
son como pájaros olvidados del hondo!
frente a ti, mar vertical cuyas espumas tocan los cielos,
a ti cuyos celestes peces entre nubes
son como pájaros olvidados del hondo!
Vengan
a mí tus espumas rompientes, cristalinas,
vengan los brazos verdes desplomándose,
venga la asfixia cuando el cuerpo se crispa
sumido bajo los labios negros que se derrumban.
vengan los brazos verdes desplomándose,
venga la asfixia cuando el cuerpo se crispa
sumido bajo los labios negros que se derrumban.
Luzca
el morado sol sobre la muerte uniforme.
Venga la muerte total en la playa que sostengo,
en esta terrena playa que en mi pecho gravita,
por la que unos pies ligeros parece que se escapan.
Venga la muerte total en la playa que sostengo,
en esta terrena playa que en mi pecho gravita,
por la que unos pies ligeros parece que se escapan.
Quiero
el color rosa o la vida,
quiero el rojo o su amarillo frenético,
quiero ese túnel donde el color se disuelve
en el negro falaz con que la muerte ríe en la boca.
quiero el rojo o su amarillo frenético,
quiero ese túnel donde el color se disuelve
en el negro falaz con que la muerte ríe en la boca.
Quiero
besar el marfil de la mudez penúltima,
cuando el mar se retira apresurándose,
cuando sobre la arena quedan sólo unas conchas,
unas frías escamas de unos peces amándose.
cuando el mar se retira apresurándose,
cuando sobre la arena quedan sólo unas conchas,
unas frías escamas de unos peces amándose.
Muerte
como el puñado de arena,
como el agua que en el hoyo queda solitaria,
como la gaviota que en medio de la noche
tiene un color de sangre sobre el mar que no existe.
como el agua que en el hoyo queda solitaria,
como la gaviota que en medio de la noche
tiene un color de sangre sobre el mar que no existe.
JUAN JOSÉ
DOMENCHINA
Nace en 1888. Es hijo de una familia de ingenieros
de caminos, publicó sus primeros poemas a los diecinueva años, El poema
eterno (Madrid, 1917), prologado por Ramón Pérez de Ayala. Más tarde inició
en las páginas de El Sol su impagable labor como crítico literario, bajo
el seudónimo de Gerardo Rivera, que se haría famoso.
Ya en 1921 conoció a don Manuel Azaña, que dirigía
entonces La Pluma, junto con el que sería su cuñado más tarde, Cipriano
Rivas Cherif. Colaboró entonces en la revista y se inició así una entrañable
amistad entre los tres que sólo terminaría con la muerte.
Más conocido como poeta, La corporeidad de lo
abstracto lo llevó a la más alta fama. El libro lleva un prólogo de Enrique
Díaz Canedo, crítico reconocido. "Este poeta medita y el tema de su
meditación no es otro que el hombre, su origen, su destino, su agonía, es
decir, la lucha constante con cuante le rodea, y, más terrible aún, consigo
mismo".
En enero de 1938 fue nombrado secretario del
Gabinete Diplomático de la Presidencia y allí permaneció hasta la dimisión de
Azaña. Amigo y colaborador inseparable, acompañó al Presidente en todos sus
desplazamientos. En febrero de 1939, Domenchina y su mujer, la también
escritora Ernestina de Champourcin, abandonaron España para siempre.
En México, el poeta trabajó en labores editoriales
hasta su muerte en 1959. Azaña nunca olvidó a su amigo y confidente. En carta a
don Angel Osorio , el 28 de junio de 1939, ya en Francia, escribe: "He
obtenido del Presidente Cárdenas un puesto, también en la Casa de España, para
Domenchina, que ha estado tres meses en Toulouse, con su familia, pasando las
penas derramadas".
Como tantos republicanos españoles, Domenchina murió
en el exilio, pobre y olvidado, añorando Madrid. En una antología de versos,
titulada Perpetuo arraigo,
escribió: "Todos los libros que
cito, como otros que no están representados en la presente selección, los
escribí en México, pero desde España, a través de una década de dolor
esperanzado y añorante, de 1939 a 1949".
Su obra:
Destierro (1942),
Pasión de sombra (1944),
Tres elegías jubilares (1946), la segunda de ellas
dedicada a Azaña;
La sombra desterrada (1950)
El extrañado (1958).
Su poesía es toda
existencialista, desgarradora, llena de simbolismos y referida siempre a la
lejanía y la ausencia.
Su vida en el exilio fue triste y vacía. El poeta se
consideraba una sombra viviente, sin posibilidad de reflejarse en nada ni en en
nadie. No obstante, publicó libros significativos:
Gracias a su empeño, se difundió la obra de los
exiliados españoles y hay que recordar la serie de artículos que publicó en el
diario Hoy, con el título general de Pasión y muerte de la República
Española. En ellos se narra su experiencia al lado de don Manuel Azaña y se
aportan datos de interés para conocer el conflictivo panorama de aquellos años.
También en su Antología de la poesía española contemporánea, que se
convirtió en toda la América de habla española en referencia y cita obligada, y
desconocida entre nosotros.
Parece ser que sintiendo acercarse "la mano
de nieve" quiso venir a morir a Madrid. La cruel dictadura le negó la
entrada. No podían olvidar que había sido secretario personal del "odiado"
Azaña. Así, murió en Méjico, el 27 de octubre de 1959, a causa de un enfisema
pulmonar.
Pero nosotros sabemos que murió, como tantos otros,
de España, de su ausencia.
Hastío
Hastío
- pajarraco
de mis horas -. ¡Hastío!
Te ofrendo mi futuro.
A trueque de los ocios
turbios que me regalas
mi porvenir es tuyo.
No aguzaré las ramas
de mi intelecto, grave.
No forzaré mis músculos.
¡Como un dios, a la sombra
de mis actos - en germen,
sin realidad -, desnudo!
¡Como un dios - indolencia
comprensiva - , en la cumbre
rosada de mi orgullo!
¡Como un dios, solo y triste!
¡Como un dios, triste y solo
¡Como un dios, solo y único!
Señor, ¿por qué pesa mi alma?
Sus manos débiles, de niña,
¡no pueden jugar con mi alma!
de mis horas -. ¡Hastío!
Te ofrendo mi futuro.
A trueque de los ocios
turbios que me regalas
mi porvenir es tuyo.
No aguzaré las ramas
de mi intelecto, grave.
No forzaré mis músculos.
¡Como un dios, a la sombra
de mis actos - en germen,
sin realidad -, desnudo!
¡Como un dios - indolencia
comprensiva - , en la cumbre
rosada de mi orgullo!
¡Como un dios, solo y triste!
¡Como un dios, triste y solo
¡Como un dios, solo y único!
Señor, ¿por qué pesa mi alma?
Sus manos débiles, de niña,
¡no pueden jugar con mi alma!
FEDERICO GARCÍA LORCA.
Nació en Fuente Vaqueros (Granada) en 1898. En 1919
ingresa en la residencia de Estudiantes de Madrid. Becado por ella, de 1929-30
viaja a Nueva York. De vuelta a España, funda un grupo teatral universitario,
"La Barraca" (1932) para difundir el teatro clásico español. Es
fusilado en 1936.
Lorca tiene dos facetas de personalidad muy
pronunciadas y contrapuestas:
era optimista y vital; era pesimista y angustiado,
íntimamente frustrado (se sentía marginado).
Destaca como poeta y dramaturgo. Veremos su primera
faceta.
Es un poeta muy riguroso, en él se aúnan inspiración
y técnica. E. de Zuleta destaca esta doble vertiente de la producción
lorquiana: captación espontánea, intuitiva, de contenidos y formas; proceso de
consciente artesanía.
En su poesía aparecen unidas la pasión y la
perfección, lo humano y lo estéticamente puro, lo popular y lo culto. Le atrae
la poesía tradicional, el cante jondo, los cancioneros del XV y XVI, la poesía
arábiga, Góngora, Bécquer, Rosalía, Juan Ramón, Machado, Carrere, Unamuno,
Darío, Vallejo, Neruda... en todas sus obras late un tema principal: el
sentimiento del destino trágico del Hombre, la imposibilidad de realización del
ser humano.
Sus principales obras son:
- Etapa
Poesía Popular:
“Poema del Cante Jondo” (escrito de 1921-24;
publicado en 1931). Es el libro de "la Andalucía del llanto"; Lorca
expresa su dolor ante la vida a través de los cantes de nuestra tierra.
- Etapa
Poesía Social clásica (Romance)
Romancero Gitano (1924-27; publicado en 1928). Lorca
se preocupa por los hombres marginados y sus tragedias. Aparece el tema del
destino trágico del hombre.
- Etapa Surrealista:
“Poeta en Nueva York” (1929-30) refleja el impacto
que la gran ciudad produjo en Lorca. Se advierte el ahogo y la rebe-lión contra
un mundo deshumanizado. Los temas del libro son el materialismo, la esclavitud
del hombre por la máquina, la injusticia social... Una parte está dedicada a
los negros (también marginados, como los gitanos). Es un libro donde lo social
adquiere gran importancia: el poeta sintoniza con todos los hombres que sufren.
Es una obra surrealista, escrita en versos libres.
- Etapa Humanista (Elegías)
Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935) es
una gran elegía a la muerte del torero amigo. Fusión magistral de lo popular y
lo culto.
Sonetos del amor oscuro, once sonetos que destacan
la maestría de Lorca.
Algunos poemas:
De Poeta en Nueva York
Yo
vuelvo
por mis alas.
¡Dejadme volver!
¡Quiero morirme siendo
amanecer!
¡Quiero morirme siendo
ayer!
por mis alas.
¡Dejadme volver!
¡Quiero morirme siendo
amanecer!
¡Quiero morirme siendo
ayer!
Yo
vuelvo
por mis alas.
¡Dejadme retornar!
Quiero morirme siendo
manantial.
Quiero morirme fuera
de la mar.
por mis alas.
¡Dejadme retornar!
Quiero morirme siendo
manantial.
Quiero morirme fuera
de la mar.
Norma y paraíso de los negros
Odian
la sombra del pájaro
sobre el pleamar de la blanca mejilla
y el conflicto de luz y viento
en el salón de la nieve fría.
sobre el pleamar de la blanca mejilla
y el conflicto de luz y viento
en el salón de la nieve fría.
Odian
la flecha sin cuerpo,
el pañuelo exacto de la despedida,
la aguja que mantiene presión y rosa
en el gramíneo rubor de la sonrisa.
el pañuelo exacto de la despedida,
la aguja que mantiene presión y rosa
en el gramíneo rubor de la sonrisa.
Aman
el azul desierto,
las vacilantes expresiones bovinas,
la mentirosa luna de los polos.
la danza curva del agua en la orilla.
las vacilantes expresiones bovinas,
la mentirosa luna de los polos.
la danza curva del agua en la orilla.
Con
la ciencia del tronco y el rastro
llenan de nervios luminosos la arcilla
y patinan lúbricos por aguas y arenas
gustando la amarga frescura de su milenaria saliva.
llenan de nervios luminosos la arcilla
y patinan lúbricos por aguas y arenas
gustando la amarga frescura de su milenaria saliva.
Es
por el azul crujiente,
azul sin un gusano ni una huella dormida,
donde los huevos de avestruz quedan eternos
y deambulan intactas las lluvias bailarinas.
azul sin un gusano ni una huella dormida,
donde los huevos de avestruz quedan eternos
y deambulan intactas las lluvias bailarinas.
Es
por el azul sin historia,
azul de una noche sin temor de día,
azul donde el desnudo del viento va quebrando
los camellos sonámbulos de las nubes vacías.
azul de una noche sin temor de día,
azul donde el desnudo del viento va quebrando
los camellos sonámbulos de las nubes vacías.
Es
allí donde sueñan los torsos bajo la gula de la hierba.
Allí los corales empapan la desesperación de la tinta,
los durmientes borran sus perfiles bajo la madeja de los caracoles
y queda el hueco de la danza sobre las últimas cenizas.
Allí los corales empapan la desesperación de la tinta,
los durmientes borran sus perfiles bajo la madeja de los caracoles
y queda el hueco de la danza sobre las últimas cenizas.
RAFAEL ALBERTI.
Nació en el Puerto de Santa María en 1902. Estudió
con los jesuitas. En 1917 se traslada a Madrid y en 1925 recibe el Premio
Nacional de Literatura por su obra Marinero en Tierra (ex-aequo con G.Diego).
Afiliado al P.C.E., abandona España al concluir la
Guerra Civil y se afinca en París, después, Argentina y Roma. En 1977 regresa a
España. En 1983 recibe el Premio Cervantes.
Etapas de su
obra:
Etapa Lírica neo-popular:
1924 Marinero en tierra ( Es la nostalgia del mar que equipara a la pureza de su tierra
natal.)
1926 La Amante
1927 El alba de alhelí
Etapa gongorina y vanguardista:
1926-1927 Cal y Canto (dominando la técnica de la
métrica y lo clásico, trata de escribir de forma vanguardista, descubriendo el
mundo de los mitos modernos.)
1929 Yo era un tonto, lo que he visto me ha hecho
dos tontos (Esta obra está dedicada a las figuras del cine mudo)
Etapa surrealista:
1929 Sobre los ángeles (pone de manifiesto su
profunda crisis religiosa y vital.)
Ahora ya escribe en verso libre de menor a mayor
1929-30 Sermones y Moradas (en la misma línea, donde
el poeta se ve sin luz para siempre, expulsado del paraí-so perdido. Va errando
por un mundo caótico y sin sentido.)
Etapa Social y Revolucionaria:
Con los zapatos puestos tengo que morir
1930 El poeta en la calle
1931 13 Bandas y 48 Estrellas
1936 Poemas del mar Caribe
1939 De un momento a otro
( Es toda una poesía de urgencia, menos buena que la
anterior, de mitin y panfleto)
Etapa del exilio:
Coplas de Juan Panadero
Roma, peligro para caminantes
Retorno de lo vivo lejano
(En esta etapa mezcla los estilos, pero ya responde
a un poeta modernista y de vanguardia que sabe esgrimir el verso y hacerlo
seductor, elegante y sugerente)
Su poesía toca todos los estilos: poesía pura,
tradicional, popular, barroca, vanguardista).
En 1931 descalificó toda su poesía anterior,
llamándola "poesía burguesa" y se dedicó a hacer poesía
"revolucionaria".
Ejemplo de algunos poemas:
MARINERO EN TIERRA
... Y ya estarán los esteros
rezumando azul de mar.
¡Dejadme ser, salineros,
granito del salinar!
¡Qué bien, a la madrugada,
correr en las vagonetas,
llenas de nieve salada,
hacia las blancas casetas!
¡Dejo de ser marinero,
madre, por ser salinero!
*
Si mi voz muriera en tierra,
llevadla al nivel del mar
y nombradla capitana
de un blanco bajel de guerra.
¡Oh mi voz condecorada
con la insignia marinera:
sobre el corazón un ancla
y sobre el ancla una estrella
y sobre la estrella el viento
y sobre el viento la vela!
SE EQUIVOCÓ LA PALOMA
Se equivocó la paloma.
Se equivocaba.
Por ir al norte, fue al sur.
Creyó que el trigo era agua.
Se equivocaba.
Creyó que el mar era el cielo;
que la noche, la mañana.
Se equivocaba.
Que las estrellas, rocío;
que la calor; la nevada.
Se equivocaba.
Que tu falda era tu blusa;
que tu corazón, su casa.
Se equivocaba.
(Ella se durmió en la orilla.
Tú, en la cumbre de una rama.)
A GALOPAR
Las tierras, las tierras, las tierras de España,
las grandes, las solas, desiertas llanuras.
Galopa, caballo cuatralbo,
jinete del pueblo,
al sol y a la luna.
¡A galopar,
a galopar,
hasta enterrarlos en el mar!
A corazón suenan, resuenan, resuenan,
las tierras de España, en las herraduras.
Galopa, jinete del pueblo
caballo de espuma
¡A galopar,
a galopar,
hasta enterrarlos en el mar!
Nadie, nadie, nadie, que enfrente no hay nadie;
que es nadie la muerte si va en tu notura.
Galopa, caballo cuatralbo,
jinete del pueblo
que la tierra es tuya.
¡A galopar,
a galopar,
hasta enterrarlos en el mar!
NOCTURNO
Cuando tanto se sufre sin sueño y por la sangre
se escucha que transita solamente la rabia
que en los tuétanos tiembla despabilado el odio
y en las médulas arde continua la venganza,
las palabras entonces no sirven son palabras.
Manifiestos, artículos, comentarios, discursos,
humaredas perdida, neblinas estampadas,
¡que dolos de papeles que ha de barrer el viento,
que tristeza de tinta que ha de borrar el agua!
Ahora sufro lo pobre, lo mezquino, lo triste,
lo desgraciado y muerto que tiene ena garganta
cuando desde el abismo de su idioma quisiera
gritar que no puede por imposible, y calla.
Siento esta noche heridas de muerte las palabras.
LUIS CERNUDA.
Nace en 1902 en Sevilla. Alumno de Pedro Salinas.
Partidario de la República, se exilia en 1938. Vivió en Gran Bretaña y Estados Unidos y muere en
México, en 1963.
Soledad y dolor, unido a una gran sensibilidad son
las notas características de la personalidad de Cernuda.
Posiblemente su inadaptación al mundo social fuese
un producto de su condición de
homosexual en una sociedad donde no se admitía tal matiz. Tiene conciencia de
ser un marginado (aunque esto es una característica de muchos intelectuales
existencialistas, cuya sociedad, mundo y vida no le satisfacen y, al tomar
conciencia de ello, se crean un problema que enfocan hacia el arte, la religión
o la locura) .
Sus principales influencias proceden de autores
románticos: Keats, Hölderling, Bécquer... al tiempo que es amante de la obra de
Gracilaso.
Quizás sea uno de los más surrealistas de la
generación del 27. y uno de los mejores sintetizadores de dicha generación.
Aunque su poesía está muy unida al romanticismo
(entendiendo como tal las características de: misterio, ruptura, exaltación de
la naturaleza, añoranza del pasado, amor imposible, idealización del paisaje,
culto al yo, ansias de libertad, exaltación del sentimiento, el instinto y la
fantasía, exaltación del amor melancólico), su obra se basa en el anhelo de
realización personal y los límites impuestos por la sociedad.
Los temas más habituales son:
la soledad,
el deseo de un mundo habitable
el amor (exaltado o insatisfecho).
(posiblemente por eso es uno de los autores
favoritos, ya que existe mucha gente en el mundo con la misma condición utópica
o idealizadora, homosexuales o heterosexuales)
Su estilo es distinto a los demás del grupo, muy
personal, y se aleja de toda moda, buscando siempre lo distinto y lo nuevo.
Etapas de
su obra:
Etapa poesía pura:
1924 Perfil del aire (malentendida y clasificada de
inmadura)
1927 Égloga, elegía y oda (de corte garcilasiana)
Etapa surrealista:
1929 Un río, un amor
1931 Los placeres prohibidos
1932 Donde habite el olvido (posiblemente su mejor
obra, de una sencillez lúcidamente elaborada, donde huye de los ritmos muy
marcados y de la rima y, lo más sorprendente: huye de un lenguaje brillante y
lleno de imágenes, para ir a un lenguaje coloquial de profunda elaboración)
1934 Invocaciones a las gracias del mundo (Sobre el
tema de la soledad; la belleza de los cuerpos masculinos; el destino del
artista)
1940 Las Nubes
1942 Ocnos (obra en prosa que evoca su Andalucía)
1944 Como quién espera el alba
1956 Desolación de la quimera
En 1936 Cernuda reúne sus libros bajo un mismo
título: “La realidad y el deseo”, que se va engrosando hasta su versión
definitiva, en 1964 y que abarca todos sus ciclos o etapas...
Ejemplo de
su obra:
De un río de amor.-
Remordimiento en traje de
noche
Un
hombre gris avanza por la calle de niebla;
No lo sospecha nadie. Es un cuerpo vacío;
Vacío como pampa, como mar, como viento,
Desiertos tan amargos bajo un cielo implacable.
Es el tiempo pasado, y sus alas ahora
Entre la sombra encuentran una pálida fuerza;
Es el remordimiento, que de noche, dudando;
En secreto aproxima su sombra descuidada.
No estrechéis esa mano. La yedra altivamente
Ascenderá cubriendo los troncos del invierno.
Invisible en la calma el hombre gris camina.
¿No sentís a los muertos? Mas la tierra está sorda.
No lo sospecha nadie. Es un cuerpo vacío;
Vacío como pampa, como mar, como viento,
Desiertos tan amargos bajo un cielo implacable.
Es el tiempo pasado, y sus alas ahora
Entre la sombra encuentran una pálida fuerza;
Es el remordimiento, que de noche, dudando;
En secreto aproxima su sombra descuidada.
No estrechéis esa mano. La yedra altivamente
Ascenderá cubriendo los troncos del invierno.
Invisible en la calma el hombre gris camina.
¿No sentís a los muertos? Mas la tierra está sorda.
Quisiera estar solo en el
sur
Quizá
mis lentos ojos no verán más el sur
de ligeros paisajes dormidos en el aire,
con cuerpos a la sombra de ramas como flores
o huyendo en un galope de caballos furiosos.
de ligeros paisajes dormidos en el aire,
con cuerpos a la sombra de ramas como flores
o huyendo en un galope de caballos furiosos.
El
sur es un desierto que llora mientras canta,
y esa voz no se extingue como pájaro muerto;
hacia el mar encamina sus deseos amargos
abriendo un eco débil que vive lentamente.
y esa voz no se extingue como pájaro muerto;
hacia el mar encamina sus deseos amargos
abriendo un eco débil que vive lentamente.
En
el sur tan distante quiero estar confundido.
La lluvia allí no es más que una rosa entreabierta;
su niebla misma ríe, risa blanca en el viento.
Su oscuridad, su luz son bellezas iguales.
La lluvia allí no es más que una rosa entreabierta;
su niebla misma ríe, risa blanca en el viento.
Su oscuridad, su luz son bellezas iguales.
De los placeres prohibidos.-
Diré cómo nacisteis
Diré
cómo nacisteis, placeres prohibidos,
Como nace un deseo sobre torres de espanto,
Amenazadores barrotes, hiel descolorida,
Noche petrificada a fuerza de puños,
Ante todos, incluso el más rebelde,
Apto solamente en la vida sin muros.
Corazas infranqueables, lanzas o puñales,
Todo es bueno si deforma un cuerpo;
Tu deseo es beber esas hojas lascivas
O dormir en esa agua acariciadora.
No importa;
Ya declaran tu espíritu impuro.
No importa la pureza, los dones que un destino
Levantó hacia las aves con manos imperecederas;
No importa la juventud, sueño más que hombre,
La sonrisa tan noble, playa de seda bajo la tempestad
De un régimen caído.
Placeres prohibidos, planetas terrenales,
Miembros de mármol con sabor de estío,
Jugo de esponjas abandonadas por el mar,
Flores de hierro, resonantes como el pecho de un hombre.
Soledades altivas, coronas derribadas,
Libertades memorables, manto de juventudes;
Quien insulta esos frutos, tinieblas en la lengua,
Es vil como un rey, como sombra de rey
Arrastrándose a los pies de la tierra
Para conseguir un trozo de vida.
No sabía los límites impuestos,
Límites de metal o papel,
Ya que el azar le hizo abrir los ojos bajo una luz tan alta,
Adonde no llegan realidades vacías,
Leyes hediondas, códigos, ratas de paisajes derruidos.
Extender entonces una mano
Es hallar una montaña que prohíbe,
Un bosque impenetrable que niega,
Un mar que traga adolescentes rebeldes.
Pero si la ira, el ultraje, el oprobio y la muerte,
Ávidos dientes sin carne todavía,
Amenazan abriendo sus torrentes,
De otro lado vosotros, placeres prohibidos,
Bronce de orgullo, blasfemia que nada precipita,
Tendéis en una mano el misterio.
Sabor que ninguna amargura corrompe,
Cielos, cielos relampagueantes que aniquilan.
Abajo, estatuas anónimas,
Sombras de sombras, miseria, preceptos de niebla;
Una chispa de aquellos placeres
Brilla en la hora vengativa.
Su fulgor puede destruir vuestro mundo.
Como nace un deseo sobre torres de espanto,
Amenazadores barrotes, hiel descolorida,
Noche petrificada a fuerza de puños,
Ante todos, incluso el más rebelde,
Apto solamente en la vida sin muros.
Corazas infranqueables, lanzas o puñales,
Todo es bueno si deforma un cuerpo;
Tu deseo es beber esas hojas lascivas
O dormir en esa agua acariciadora.
No importa;
Ya declaran tu espíritu impuro.
No importa la pureza, los dones que un destino
Levantó hacia las aves con manos imperecederas;
No importa la juventud, sueño más que hombre,
La sonrisa tan noble, playa de seda bajo la tempestad
De un régimen caído.
Placeres prohibidos, planetas terrenales,
Miembros de mármol con sabor de estío,
Jugo de esponjas abandonadas por el mar,
Flores de hierro, resonantes como el pecho de un hombre.
Soledades altivas, coronas derribadas,
Libertades memorables, manto de juventudes;
Quien insulta esos frutos, tinieblas en la lengua,
Es vil como un rey, como sombra de rey
Arrastrándose a los pies de la tierra
Para conseguir un trozo de vida.
No sabía los límites impuestos,
Límites de metal o papel,
Ya que el azar le hizo abrir los ojos bajo una luz tan alta,
Adonde no llegan realidades vacías,
Leyes hediondas, códigos, ratas de paisajes derruidos.
Extender entonces una mano
Es hallar una montaña que prohíbe,
Un bosque impenetrable que niega,
Un mar que traga adolescentes rebeldes.
Pero si la ira, el ultraje, el oprobio y la muerte,
Ávidos dientes sin carne todavía,
Amenazan abriendo sus torrentes,
De otro lado vosotros, placeres prohibidos,
Bronce de orgullo, blasfemia que nada precipita,
Tendéis en una mano el misterio.
Sabor que ninguna amargura corrompe,
Cielos, cielos relampagueantes que aniquilan.
Abajo, estatuas anónimas,
Sombras de sombras, miseria, preceptos de niebla;
Una chispa de aquellos placeres
Brilla en la hora vengativa.
Su fulgor puede destruir vuestro mundo.
EMILIO
PRADOS.-
Poeta nacido en Málaga.
En 1914 entra en la Residencia de Estudiantes de
Madrid y conoce a D. Juan Ramón Jiménez. Entró en el círculo formado por Moreno
Villa, García Lorca, Dalí, Buñuel, Bello y Vicéns.
Viaja por Suiza, Alemania y París donde se adentrará
en el vanguardismo literario que determinará la forma de su obra.
A su regreso a Málaga funda, junto a Miguel
Altolaguirre, la revista Litoral y la Imprenta Sur, de cuyos talleres salen
algunos de los mejores títulos de la poesía del 27.
Tras la guerra civil del 36 se exilia a México,
donde muere en 1962.
Su obra poética:
1925 Tiempo
1927 Vuelta
1937 Tres cantos
1946 Jardín cerrado o Río natural
y Memoria del olvido
De Tiempo.-
Rincón de la sangre
Aparente
quietud ante tus ojos,
aquí, esta herida —no hay ajenos límites—,
hoy es el fiel de tu equilibrio estable.
La herida es tuya, el cuerpo en que está abierta
es tuyo, aun yerto y lívido. Ven, toca,
baja, más cerca. ¿Acaso ves tu origen
entrando por tus ojos a esta parte
contraria de la vida? ¿Qué has hallado?
¿Algo que no sea tuyo en permanencia?
Tira tu daga. Tira tus sentidos.
Dentro de ti te engendra lo que has dado,
fue tuyo y siempre es acción continua.
Esta herida es testigo: nadie ha muerto.
aquí, esta herida —no hay ajenos límites—,
hoy es el fiel de tu equilibrio estable.
La herida es tuya, el cuerpo en que está abierta
es tuyo, aun yerto y lívido. Ven, toca,
baja, más cerca. ¿Acaso ves tu origen
entrando por tus ojos a esta parte
contraria de la vida? ¿Qué has hallado?
¿Algo que no sea tuyo en permanencia?
Tira tu daga. Tira tus sentidos.
Dentro de ti te engendra lo que has dado,
fue tuyo y siempre es acción continua.
Esta herida es testigo: nadie ha muerto.
MEDIA NOCHE
Duerme
la calma en el puerto
bajo su colcha de laca,
mientras la luna en el cielo
clava sus anclas doradas.
bajo su colcha de laca,
mientras la luna en el cielo
clava sus anclas doradas.
¡Corazón,
rema!
rema!
MANUEL
ALTOLAGUIRRE
Nació en Málaga en 1905.
En 1923 funda la revista poética “Ambos” en colaboración con José María Hinojosa y
José María Souvirón.
A partir de 1926 codirigió con Emilio Prados la
revista Litoral.
Viaja a Francia en 1930-1931, estableciendo allí su
propia imprenta privada, que le acompañó en todos sus viajes. En 1932 casó con
la poetisa Concha Méndez. De 1933 a 1935, estancia en Londres, donde siguió
editando libros y fundó la revista hispano-inglesa 1616, en recuerdo del año de la
muerte de Cervantes y de Shakespeare.
En 1935 regresa a España y edita otra revista, Caballo
Verde para la Poesía, dirigida por Pablo Neruda.
En enero de 1936 funda la colección poética Héroe,
que publicó algunos libros de sus compañeros de generación.
En la guerra civil luchó al lado de la República y
continuó su labor de impresor. En febrero de 1939 abandona
España y se traslada primero a Cuba y luego a México, donde transcurrirá todo
su exilio.
En México funda una colección poética con el nombre
de La Verónica.
A partir de 1950 se dedicó a productor
cinematográfico, y en 1959, durante un viaje a España, perdió la vida en un
accidente de automóvil.
Estapas
de su obra:
1926 Las islas invitadas
1927 Poema del agua
1927 Ejemplo
1930 Poesía
1931 Soledades juntas
1936 La lenta libertad"
1939 Nube temporal
1949
Fin de un amor
1955
Poemas en América
La voz poética de Altolaguirre se
distingue entre las voces del Grupo del 27 por su exquisita espiritualidad.
Su obra es breve y ofrece desigualdades,
sin que hubiera efectiva progresión en ella.
Sus temas son los propios de la generación: la
soledad, amor-muerte, la naturaleza.
De la lenta libertad.-
LA VOZ CRUEL
A
Octavio Paz
Alzan
la voz cruel
quienes no vieron el paisaje,
los que empujaron por el declive pedregoso
la carne ajena,
quienes debieron ser almas de todos
y se arrancaban de ellos mismos
cuerpos parásitos
para despeñarlos.
quienes no vieron el paisaje,
los que empujaron por el declive pedregoso
la carne ajena,
quienes debieron ser almas de todos
y se arrancaban de ellos mismos
cuerpos parásitos
para despeñarlos.
Mil
muertos de sus vidas brotaban,
mil muertos solitarios
que miraban desde el suelo,
durante el último viaje,
la colosal estatua a la injusticia.
mil muertos solitarios
que miraban desde el suelo,
durante el último viaje,
la colosal estatua a la injusticia.
No
eran muertos,
eran oprimidos,
seres aplastados,
ramas cortadas de un amante o de un padre,
seres conducidos por un deseo imposible,
topos de vicio
que no hallarán la luz
por sus turbias y blandas galerías.
eran oprimidos,
seres aplastados,
ramas cortadas de un amante o de un padre,
seres conducidos por un deseo imposible,
topos de vicio
que no hallarán la luz
por sus turbias y blandas galerías.
Alzan
la voz cruel
quienes no vieron el paisaje,
los que triunfaron
por la paz interior de sus mentiras.
quienes no vieron el paisaje,
los que triunfaron
por la paz interior de sus mentiras.
¡Oh
mundo desigual!
Mis ojos lloren
el dolor, la maldad:
la verdad humana.
Mis ojos lloren
el dolor, la maldad:
la verdad humana.
De
poesía.-
-----------------------------------------------------
(Trabajo extractado y compilado con ayuda de
diversas lecturas en Internet, de la “Antología de los poetas del 27” de José
Luis Cano; Austral 1984, de la obra completa de García Lorca, Pedro Salinas,
Gerardo Diego y Luis Cernuda de diversas ediciones.)
© (Luis Vargas Alejo 2005)
Ensayo de mucho valer, amigo, que debo obligarme a releer hasta la saciedad.
ResponderEliminarA ver si vas pasando todos tus trabajos a esta nueva página, porque, aunque los tengo todos guardados y aparecen hasta en mi blog; no está demás, tenerlos aquí, siempre, al alcance de la mano.
Gracias + Abrazos
A ver si hago alguno nuevo sobre la neopostmodernidad poética si mis fuerzas me lo permiten.
EliminarSiempre es de buen recibí un trabajo tan concienzudo.
ResponderEliminarBesos